Elisabeth Lamour

Peintre d'icônes


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L’étape du dessin de l’icône

Le conseil premier des maîtres est de « dessiner sans relâche » (article ici). Mais comment ? Beaucoup de nos élèves n’ont aucune notion de dessin et cette étape de la réalisation de l’icône leur semble la plus ardue et la moins gratifiante.

Certains ateliers proposent de décalquer ou bien de partir d’un dessin tout préparé. Ce n’est pas notre façon de faire. On perd beaucoup à manquer cette étape, ce tâtonnement qui ressemble au début hasardeux d’une rencontre, mais permet la découverte d’une symbolique d’une richesse inépuisable.

Pour celles et ceux qui ont des difficultés à dessiner, je conseiller de procéder ainsi : commencer par très bien choisir son modèle avec l’aide de l’enseignant, car un modèle attrayant n’est pas forcément un modèle sur lequel on peut s’appuyer (un peu comme une jolie béquille pleine de couleurs… mais sans aucune solidité !).

Ensuite, apprivoiser le dessin librement, aux dimensions de la planche qu’on utilisera. Ne pas s’inquiéter si le résultat semble catastrophique. C’est le temps d’une première approche : on se présente l’un à l’autre avec ses fragilités et son impuissance. Puis à l’aide des proportions étudiées et muni du compas, vient le moment de vérifier, observer, améliorer, rendre le dessin « juste » et esthétique.

C’est une des raisons pour lesquelles, dans la pédagogie que nous pratiquons (1), les élèves passent beaucoup de temps sur la première icône, sur le dessin du visage de face, la mémorisation des proportions qui, à force, impriment leur trace et s’inscrivent en chacun.

La mesure du nez détermine le « module » de base. Ce n’est pas une « invention » fantaisiste ! Denys de Fourna, dans son Guide de la peinture page 52 donne ces indications :

« Faites d’abord la première mesure de façon à la diviser en trois parties : le front pour la première, le nez pour la seconde et la barbe pour la troisième. Faites les cheveux en dehors de la mesure, de la longueur d’un nez. Divisez de nouveau en trois parties l’espace compris entre la barbe et le nez ; le menton est pour deux mesures, la bouche pour une, et la gorge vaut un nez. (…) Les deux yeux sont égaux l’un à l’autre, et l’intervalle qui les sépare est égal à un œil. (…) De face, il ne faut qu’un œil (entre l’œil et l’oreille). L’oreille doit être égale au nez. »

C’est exactement la proportion de l’iconographie comme d’une grand partie de la peinture médiévale, avec ces conventions particulières qui s’écartent un peu de l’anatomie. Cette différence s’explique par l’importance de la dimension symbolique qui s’y rattache : la construction de base s’organise autour d’Un cercle divisé en trois cercles concentriques et évoquant la Trinité. Cette construction, propre au dessin du visage, se décline ensuite de diverses manières sur l’ensemble de l’icône.

Une importance majeure est donnée au regard exagérément grand, à la posture frontale et à la disproportion du haut de la chevelure (2). Ainsi, le personnage semble s’avancer vers nous, aller à notre rencontre… pour nous placer au centre de la construction. Quand on regarde l’icône, c’est fort. Quand on la dessine, ça l’est encore davantage…

  1. En ce qui me concerne, celle que m’a transmise Ludmilla.
  2. On peut observer au cours de l’évolution picturale des XIIIe et XIVe siècles occidentaux, ce haut de la chevelure des personnages qui reprend sa place anatomique, s’éloignant par là de la signification spirituelle.

Article du 5 février 2021


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Le Baptême du Christ (la Théophanie)

Baptême du Christ

Icône sur tilleul, 20 x 20 cm, 2020

Tous les évangélistes accordent une grande importance au Baptême du Christ et décrivent la scène en détail.

Jésus a trente ans au moment de son Baptême, et jusqu’à ce jour, rien dans sa vie ne transparaissait de sa nature divine. Au bord du Jourdain, Dieu se révèle. Comme toujours, le texte de Marc a ma préférence : « Or, en ces jours-là, Jésus vint de Nazareth en Galilée et se fit baptiser par Jean dans le Jourdain. À l’instant où il remontait de l’eau, il vit les cieux se déchirer et l’Esprit, comme une colombe, descendre sur lui. Et des cieux vint une voix :  » Tu es mon Fils bien-aimé, il m’a plu de te choisir « » (Mc, 1, 9-11)

Le terme de Théophanie signifie « manifestation », ou « apparition de Dieu » et donne le sens de l’évènement. J’aime beaucoup ce texte en raison, encore une fois, du double mouvement de descente et de remontée sur l’axe vertical. L’eau, associée à l’Esprit, est l’élément indispensable à la vie. Mais le baptême est le moment où l’immersion dans les eaux fait vivre jusque dans son corps une sorte de « petite mort », dont on resurgit renouvelé. C’est le même mouvement que celui qui régit la composition de l’icône de l’Anastasis, et aussi le même thème : descendre (vers la mort) pour renaître. C’est ce qu’on vit à une minuscule échelle à chaque respiration : « expirer » conduit à un instant de nuit, de « petite mort » (on peut l’appeler « la pause poumons vides ») qui appelle à « l’inspiration », le retour à la vie. 

C’est le rythme et la danse de toute vie, à toute échelle : la nuit et le jour, l’hiver et l’été, l’expir et l’inspir, la tristesse et la joie… 

L’icône du Baptême représente pour moi l’archétype de ce rythme naturel et éternel, la respiration du monde et des marées, sa palpitation. À notre échelle , c’est la confiance dans la remontée, l’appel à la vie qui peut nous aider à sortir des toutes les « crises » , de toutes les petites morts qui parsèment nos vies.

Jean-Baptiste lève le regard vers le ciel dans une tension de tout son être, sa main droite posée sur la tête de Jésus. Un arbuste se trouve à ses pieds, flanqué d’une hache, en référence au texte de Matthieu (3, 10) : « Déjà, la hache est prête à attaquer la racine ». 

Les anges, debout sur l’autre rive, colorés de joie, ont le corps courbé et les mains couvertes en signe de respect.

En PS, je rajoute cet extrait du Guide de la peinture de Denys de Fourna, p 163 (Deuxième partie)

« Le Christ debout, nu, au milieu du Jourdain. Le Précurseur sur le bord du fleuve, à la droite du Christ et regardant en haut; sa main droite est sur la tête du Christ, et il étend la gauche vers le ciel. Au- dessus, le ciel, d’où sort l’Esprit saint sur un rayon qui descend vers la tête du Christ. Au milieu du rayon, on lit ces mots : «Celui-ci est mon fils bien aimé, dans lequel j’ai mis toutes mes complaisances.» Sur la gauche, des anges debout avec respect et les mains étendues. Au bas, sont des vêtements. Au-dessous du Précurseur, dans le Jourdain, un homme nu, couché en travers et regardant derrière lui le Christ avec crainte; il tient un vase d’où il verse de l’eau. Autour du Christ, des poissons. »

Cette fête est célébrée le 6 janvier.

Article du 14 mars 2020, temps de « crise » !


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L’influence de Denys de Fourna

De 2017 à 2019, j’ai proposé une émission sur RCF Isère intitulée Carnets de peinture. J’y évoquais les écrits laissés par les peintres d’icônes et de fresques à l’usage de leurs successeurs. L’ouvrage phare dans ce domaine s’intitule Le Guide de la peinture. Il s’agit d’un « manuel du peintre » redécouvert au XIXe siècle par Didron et qui s’appuie principalement sur un texte de Denys de Fourna appelé Hermeneia (ou Herminia).  

Denys ( Διονύσιος τοῦ ἐκ Φουρνά ) naît vers 1670 à Fourna, en Grèce. À partir de 1686, il dirige un monastère au Mont Athos en tant que hiéromoine. Il vit dans un skite près de Karyès et travaille comme iconographe. En 1734, il retourne à Fourna où il crée une école de peinture, encouragé par le patriarche.

Denys écrit son Hermeneia entre 1730 et 1733. Il y énonce les principes qui régissent la peinture des icônes et des fresques, décrivant tout à la fois les matériaux, la technique, les sujets représentés et leur sens spirituel. Il retransmet et théorise des indications qui pourraient remonter au XIIe siècle et qui demeurent très précieuses pour les iconographes d’aujourd’hui. Il meurt après 1744.

Quelle ne fut pas ma surprise, au mois de décembre, de recevoir cette missive :

Dear Mrs Elisabeth,
I am very pleased to see your iconography work, especially because I come from the family of Denys de fourna (Denys Chalkias), the original author of « Hermeneia » a book that is described in your blog
Greetings from Greece,
Evangelos Chalkias

J’ai évidemment posé quelques questions à Evangelos, qui m’a très aimablement fait parvenir ces icônes, œuvres de son ancêtre Denys.  Actuellement conservées dans la chapelle Metamorfosis de Fourna, dans un coffre-fort, elles seront prochainement transférées dans un musée dédié à Denys. Elles ne sont pas restaurées pour l’instant , ce qui sera réalisé prochainement.

Je vous livre une partie des renseignements passionnants transmis par Evangelos :

« Nous sommes des descendants des frères, de Denys qui étaient artistes, forgerons, savants et commerçants. Notre famille a déménagé dans la région d’Agrafa (au centre de la Grèce) vers 1590 depuis Moscopole (actuellement en Albanie).

Denys a eu un cousin célèbre : Ioannis Chalkeus de Moscopole, figure grecque des Lumières, professeur de philosophie aristotélicienne et directeur de l’école flanginienne de Venise (une école grecque qui formait les enseignants). 

Denys a construit un monastère au Mont Athos. Il a reçu les honneurs du Patriarche ainsi qu’un soutien matériel des ducs de Valachie. Il a fondé une école et un monastère à Fourna ainsi que la première école officielle pour les femmes en Europe, le Parthénon d’Agrapha.

Son œuvre, l’Hermeneia a influencé l’Art Nouveau ( il y aurait beaucoup à en dire !). Le professeur Dimaras présente Denys comme la première figure des Lumières grecques. 

Concernant ses principes d’iconographie on pourrait dire que :

1. Il n’y a pas de lumière « extérieure »,
2. Il n’y a pas de perspective réelle,
3. Des personnes de différentes époques sont représentées dans les peintures.

Klimt, les trois âges de la femme

Gustav Klimt, Les Trois Âges de la femme

Pour mieux comprendre, observons la peinture de Gustav Klimt, Les Trois Âges de la femme. Elle suit les principes exacts donnés par Denys. D’ailleurs, on sait que Klimt a eu en sa possession l’Hermeneia de Denys. Cela explique non seulement la thématique, mais aussi l’utilisation des couleurs dans l’Art Nouveau. 

Si vous parcourez votre copie française de l’Hermeneia, vous trouverez vingt pages signées par Victor Hugo qui a levé les fonds pour le voyage de Didron lorsqu’il cherchait à récupérer le manuscrit de Denys en Grèce. Victor Hugo espérait un retour vers le style médiéval du dessin et de la peinture et pensait que cela se produirait dans le mouvement du Romantisme dont il était la figure de proue. Malheureusement pour lui, les artistes visuels ont mis du temps à « digérer » le manuscrit, et c’est l’Art nouveau qui en a bénéficié.

Avec ce qui précède, j’ai essayé de vous expliquer qui était réellement Denys Chalkias de Fourna et le rôle qu’il a joué dans l’histoire. 

« Je suis très heureux de voir que votre travail suit les principes de l’Hermeneia et vraiment surpris de votre intégrité artistique (…) »

En lisant ces lignes, j’ai à la fois mieux compris l’importance considérable du travail de Denys de Fourna, véritable recension à portée universelle de l’art iconographique. J’ai aussi réalisé pourquoi je suis autant attirée par les icônes, les fresques ou l’art roman, que par les peintres de la période de l’Art nouveau (je pense à Klimt, Gallen Kallela ou aux illustrations de Ivan Bilibine ou encore à des peintres comme Nesterov).

Je pense surtout à cette incroyable pouvoir de l’icône, de tisser des liens, à travers le temps et à travers l’espace. Tous mes remerciements vont à Denys de Fourna et à sa famille qui m’ont permis ces réflexions.

Article du 3 février 2020. J’ai placé au fil de l’article des liens avec les émissions correspondant à ces sujets, mais il y en a d’avantage, presque toutes datant de l’automne 2017.

 


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La dernière de « Carnets de peinture » (émission du 1er juillet)

 

OLYMPUS DIGITAL CAMERAPendant ces deux années, j’ai lu et relu les écrits des peintres médiévaux, les conseils donnés par les aînés aux plus jeunes, ces « carnets de peinture » souvent passionnants, transmis à travers les générations. Cela a donné une émission qui entrait, dans l’esprit du carnet de voyage, dans les coulisses d’un art bien vivant, qu’on peut appeler l’« art sacré traditionnel ». Il concerne, entre autres, la peinture de l’icône, la fresque, l’enluminure, la calligraphie, la mosaïque, la taille de pierre, l’orfèvrerie ou le vitrail… 

Leur actualité m’a beaucoup impressionnée et j’espère vous avoir fait partager un peu de cet enthousiasme. Ainsi, nous avons suivi le moine Théophile et son Traité des divers arts au XIIe siècle, Le Livre de l’art du peintre Cennino Cennini à la fin du XIVe, et écouté ses conseils parfois pertinents, parfois loufoques. Nous avons entendu d’improbables recettes situées à mi-chemin entre l’art, la chimie et l’alchimie. Nous avons appris comment nous pourrions fabriquer nos pinceaux ou préparer nos feuilles d’or, nos enduits et nos couleurs. Nous avons compris que pour bien dessiner, il faut dessiner tout le temps, contempler et s’inspirer des œuvres des maîtres. Nous avons cheminé aux côtés de Didron, l’archéologue du XIXe siècle et partagé sa redécouverte des écrits de Denys de Fourna, comme sa rencontre avec le moine Joasaph et ses apprentis, en plein travail sur un échafaudage au Mont Athos. Nous avons croisé la figure du peintre Panselinos au XIIe siècle et celle du peintre roumain Radu au XVIIIe siècle. Nous avons écouté Hermann Hesse, Fra Angelico, Victor Hugo : tout un foisonnement de visages, d’œuvres, d’expériences, d’amour de l’art et de recherche de la beauté. C’était un voyage dans l’espace et dans le temps qui m’a donné l’impression de transmette à mon tour le relais qui s’était déposé un jour dans mes mains. Je pense particulièrement à Ludmilla qui m’a enseigné la peinture de l’icône. 

Nous sommes les maillons d’une grande chaîne : que celle de l’art et de la beauté perdure partout, et reste la petite flamme qui palpite dans tous les coins de ce monde qui ne va pas très bien.

De mon côté, je vais continuer à lire, à peindre, à transmettre, à admirer, à tendre comme je le peux ce fil de soie coloré qui, comme les pas du pèlerin ou les mots du poète, trace une route aussi invisible que certaine.

Vous pouvez retrouver les textes de ces deux années d’émission sur mon site à la rubrique actualités, ainsi que les autres thèmes que j’ai encore en tête et continuerai à partager. Les podcasts sont disponibles ici.

Article du 1er juillet 2019


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Le glycasme (émission du 3 juin)

Chaque lundi à 11 h 05 sur RCF Isère (103.7), retrouvez la série d’émissions intitulée Carnets de peinture. Dans l’esprit du carnet de voyage, entrons dans les coulisses d’un art aujourd’hui bien vivant, qu’on peut appeler l’« art sacré traditionnel ». Il concerne, entre autres, la peinture de l’icône, la fresque, l’enluminure, la calligraphie, la mosaïque, la taille de pierre, l’orfèvrerie ou le vitrail… Tous les « épisodes » précédents sont sur ce site à la rubrique « actualité » ; les liens avec les podcast sont ici

glycasmeUne fois les fonds sombres posés, ces proplasme ou sankir aux couleurs de terre que nous avons décrits les semaines précédentes, le peintre médiéval ou le peintre d’icônes va éclairer les parties saillantes des visages et des corps, les reliefs, en réalisant une sorte de travail « en négatif ». À ce moment-là, on ne dit pas qu’on place des ombres, mais on parle de lumière, et comme nous allons le voir, ce n’est pas une invention contemporaine de dénomination !

Écoutons par exemple les conseils du moine Théophile au XIIe siècle, dans le Traité des divers arts : « Mêlez avec la simple couleur de chair de la céruse broyée, et composez la couleur qui est appelée lumière. Vous en éclairerez les sourcils, le nez dans sa longueur, le dessus des ouvertures des narines des deux côtés ; les traits fins autour des yeux, au-dessus des tempes, au-dessus du menton, près des narines et de la bouche, des deux côtés, la partie supérieure du front, un peu entre les rides du front, le milieu du cou, le tour des narines, ainsi que les articulations des mains et des pieds extérieurement, et toute rotondité des mains, des pieds et des bras au milieu. » 

Denys de Fourna, dans Le Guide de la peinture, décrit à peu près le même procédé et appelle glycasme la couleur des éclaircissements, dans un chapitre intitulé « Comment il faut faire les carnations ». Écoutons-le : «  Lorsque vous aurez fait le proplasme et esquissé un visage ou une autre partie, vous ferez les chairs avec le glycasme dont nous vous avons donné la recette, et vous l’amincirez sur les extrémités, afin qu’il s’unisse bien au proclame. Vous ajouterez de la couleur de chair sur les parties saillantes, en l’amincissant comme le glycasme, peu à peu. Chez les vieillards, vous indiquerez les rides, et chez les jeunes gens, les angles des yeux. Ensuite, vous emploierez le fard avec précaution pour donner de la lumière, mélangeant les touches de fard et celles de couleur chair, d’une manière très légère d’abord, en augmentant ensuite la force. C’est ainsi que l’on fait les chairs suivant Panselinos. » 

Il s’agit bien, dans toutes les descriptions, de partir de la couleur de terre pour progressivement « monter en lumière ». Souvenons-nous que Panselinos est un peintre du XIIe siècle et que nous suivons toujours à peu de choses près, ces recommandations dans nos ateliers d’iconographie.

Nous continuerons la semaine prochaine avec les recommandations de Cennini.

Article du 3 juin 2019


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Proplasme, sankir ou posch

Noe attribué à Panselinos

Fresque représentant Noé et attribuée à Panselinos

Après avoir décrit les couleurs les plus utilisées par les artiste médiévaux, Cennino Cennini, dans son Livre de L’art, nous parle de la progression à suivre pour peindre les visages. D’un auteur à l’autre, d’un pays à l’autre, d’un atelier à l’autre, on relève des différences de dénomination et de procédure. Mais d’une façon générale, le principe est toujours le même depuis la nuit des temps : une couche de base, sorte d’imprimature (1) est posée sur tous les fonds. Tout ce qui est vivant, et principalement la peau des personnages, est recouvert, pour commencer, d’une couleur sombre qui évoque la terre et qu’on appelle communément proplasme. Cennini la nomme verdaccio à Florence et bazzeo à Sienne. Dans un ouvrage plus ancien, Le Traité des divers arts, datant du début du XIIe siècle, le moine Théophile utilise le terme de posch. On parle de sankir en Russie. La tonalité tire vers le brun vert sombre pour les icônes de l’École de Pskov ; elle est plus lumineuse pour celles de l’École de Moscou, marron pour les icônes grecques ou celles de l’École de Novgorod, veloutée pour les icônes italo-crétoises.

Dans le Guide de la peinture, Denys de Fourna donne la recette du proplasme de Panselinos, ce peintre du XIIIe siècle que nous avions présenté l’année dernière (2). La recette est imprécise mais on comprend que Panselinos mélangeait dans des proportions indéchiffrables, de l’ocre, du vert, du noir et une couleur d’ombre.

Cennini indique qu’on fabrique le verdaccio en mélangeant une proportion de noir pour deux d’ocre (chap. LXXXV).
Le moine Théophile propose plusieurs recettes. Selon d’autres auteurs, on y adjoint de la terre verte, parfois un peu de blanc de Saint Jean ou de brun.

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Les pigments pour le proplasme

Nous avons opté, dans notre atelier, pour un mélange composé pour environ trois parts d’ocre jaune, ½ part de terre verte et ½ part de noir, proportions qui évoluent selon la luminosité de l’ocre jaune utilisé. Cela crée une base terreuse qui explique pourquoi les icônes paraissent souvent sombres et pourquoi on distingue des zones presque vertes sur beaucoup de visages des peintures médiévales. Peu à peu, le fond sombre va être éclairé, dans la suite du travail, par des couleurs de plus en plus riches en tonalités claires, rouges et blanches. Nous approfondirons le sens symbolique et spirituel très fort de ces tonalités lors des deux prochaines émissions.

  1. L’imprimeure ou imprimature est, en peinture, une technique de préparation du support qui consiste à appliquer une couche d’impression sur le support à peindre, afin de le préparer à l’emploi.
  2. Voir l’article du 30 octobre 2017 ici

Cet article a été le support d’une émission hebdomadaire intitulée Carnets de peinture et diffusée de septembre 2017 à juin 2019 sur RCF Isère. Dans l’esprit du carnet de voyage, l’émission nous faisait entrer dans les coulisses d’un art aujourd’hui bien vivant, qu’on peut appeler l’« art sacré traditionnel » (peinture de l’icône, fresque, enluminure, calligraphie, mosaïque, taille de pierre, orfèvrerie, vitrail…).  On peut retrouver certains podcasts  ici

Article du 13 mai 2019


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La pose de l’or (émission du 22 octobre)

Chaque lundi à 11 h 05 sur RCF Isère (103.7), retrouvez la série d’émissions intitulée Carnets de peinture. Dans l’esprit du carnet de voyage, entrons dans les coulisses d’un art aujourd’hui bien vivant, qu’on peut appeler l’« art sacré traditionnel ». Il concerne, entre autres, la peinture de l’icône, la fresque, l’enluminure, la calligraphie, la mosaïque, la taille de pierre, l’orfèvrerie ou le vitrail… Tous les « épisodes » précédents sont sur ce site à la rubrique « actualité » ; les liens avec les podcast sont ici

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Dans l’atelier d’Acantha dorure (le lien avec son site est sur ma page d’accueil à « liens amis »)

Nous avons vu la semaine dernière comment poser la sous-couche de bol d’Arménie avant l’application de la feuille d’or. L’étape suivante consiste à préparer un mélange tiédi à partir de colle de peau de lapin et d’alcool. Un jour où je travaillais avec des moines russes, j’ai découvert qu’ils réalisaient leur mixture pour la pose de l’or… à partir de vodka ! Denys de Fourna dans Le Guide de la Peinture (1), préconise quant à lui une technique… à base de raki. Écoutons-le, sans oublier qu’il appelle ampoli ce que nous nommons bol d’Arménie.

« Dessinez une images avec une pointe très fine ; nettoyez bien ensuite le tableau, et enlevez les taches s’il y en a, en grattant avec précaution. Mettez ensuite deux ou trois couches très minces d’ampoli sur l’image. Lorsque ces couches seront sèches, placez le tableau horizontalement devant vous. Prenez des feuilles d’or et adaptez-les sur le tableau, en fixant chaque feuille par ses extrémités avec un instrument en os, afin que le vent ne les emporte pas. Mettez ensuite du raki dans une petite cafetière, et versez cette liqueur sur les bords du tableau. Puis vous soulèverez le tableau afin de faire couler le raki et d’imprégner toute la surface. Ayez soin d’humecter promptement, afin que le plâtre ne se sèche pas. Redressez ensuite le tableau, raccommodez les petits défauts, laissez-le sécher, et enfin brunissez-le

Notons la précision concernant la légèreté de la feuille d’or. La pose de l’or est à réaliser toutes fenêtres fermées, et sans imaginer pouvoir répondre au téléphone ni même se lever au cours de l’opération. Dans l’extrait suivant, Denys de Fourna évoque les outils spécifiques : il s’agit d’une sorte de pinceau plat aussi appelé palette, qu’il suffit de graisser à peine ou de charger en électricité statique – en la passant sur les cheveux par exemple – afin d’attirer la feuille sans la saisir avec la moindre pince, ce qui la réduirait en miettes. On peut remplacer ce pinceau par une plume, mais c’est plus difficile à manipuler. On utilise aussi un coussin spécial, en principe en peau de chevreau ou de chamois et un couteau très particulier méticuleusement entretenu avec de l’alcool… à moins qu’il ne nous reste un peu de vodka ou de raki !

À la fin de l’extrait, Denys de Fourna indique qu’il convient de brunir l’or. Nous approfondirons cette question la semaine prochaine.

(1) p. 31

Article du 22 octobre 2018


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Le bol d’Arménie ou rouge ampoli (émission du 15 octobre)

Chaque lundi à 11 h 05 sur RCF Isère (103.7), retrouvez la série d’émissions intitulée Carnets de peinture. Dans l’esprit du carnet de voyage, entrons dans les coulisses d’un art aujourd’hui bien vivant, qu’on peut appeler l’« art sacré traditionnel ». Il concerne, entre autres, la peinture de l’icône, la fresque, l’enluminure, la calligraphie, la mosaïque, la taille de pierre, l’orfèvrerie ou le vitrail… Tous les « épisodes » précédents sont sur ce site à la rubrique « actualité » ; les liens avec les podcast sont ici

OLYMPUS DIGITAL CAMERANous avons présenté les diverses techniques de pose de l’or dans l’émission précédente et expliqué comment se fabriquent ces feuilles d’or si fines que le moindre souffle les emporte.

Développons aujourd’hui les étapes de la pose de l’or libre, autrement dit la dorure à l’eau, appelée dorure à l’assiette ou bolus.

Cette opération commence par la pose d’une terre rouge que nous appelons « bol d’Arménie ». Je suppose que c’est la matière que Denys de Fourna appelle « rouge ampoli ». Il s’agit d’un type d’argile très fin, kaolinique, qui permet l’adhérence des feuilles d’or. Ce procédé est connu depuis l’Antiquité et donne à l’or des reflets intenses.

Dans Le Guide de la peinture (p. 30), Denys de Fourna décrit plusieurs techniques et voici la plus développée : « Prenez du bol. Ayez soin de choisir le meilleur : c’est celui qui n’est pas très rouge et qui présente à l’intérieur des veines blanches. Il faut, pour qu’il soit de bonne qualité, que ces veines ne soient pas dures comme de la pierre ou de la terre, car alors il est mauvais. Mêlez dix-huit drachmes de ce bol, deux drachmes d’ocre de Constantinople, une demi-drachme de lampezi, c’est-à-dire de plomb rouge, et une demi-drachme de suif. Brûlez ensuite une feuille de papier, et ajoutez-la avec une demi drachme de mercure. Apprenez comment il faut diviser le mercure : vous le mettez peu à peu dans une de vos mains avec de la salive, et, avec les doigts de l’autre main, vous l’écrasez et vous parvenez à le diviser. Ensuite, vous placerez toutes ces substances ensemble sur un marbre, et vous les broierez avec force. Puis passez de l’ampoli sur ce que vous voudrez ».

On comprend dans cette recette que l’argile est mélangée avec d’autres substances qu’on n’imaginerait plus utiliser aujourd’hui sans d’infinies précautions. Les artistes ont essayé par la suite d’autres associations, par exemple un mélange de sanguine et de mine de plomb, de l’huile d’olive ou de la graisse de mouton. Je ne sais pas ce qui compose mon « bol d’Arménie », mais j’adore l’odeur qui s’en dégage ! Pourvu que le mélange ne soit pas celui que préconise Denys de Fourna !

Le bolus s’applique en plusieurs couches fines. Il existe différentes couleurs et différents mélanges d’assiette à dorer : la rouge est la plus utilisée et donne un aspect chaleureux à l’or. On dit que la jaune a la faveur des peintres italiens et la noire, celle des anglais.

Article du 15 octobre 2018


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Le nimbe du Christ (émission du 1er octobre)

Chaque lundi à 11 h 05 sur RCF Isère (103.7), retrouvez la série d’émissions intitulée Carnets de peinture. Dans l’esprit du carnet de voyage, entrons dans les coulisses d’un art aujourd’hui bien vivant, qu’on peut appeler l’« art sacré traditionnel ». Il concerne, entre autres, la peinture de l’icône, la fresque, l’enluminure, la calligraphie, la mosaïque, la taille de pierre, l’orfèvrerie ou le vitrail… Tous les « épisodes » précédents sont sur ce site à la rubrique « actualité » ; les liens avec les podcast sont iciOLYMPUS DIGITAL CAMERA

Le nimbe du Christ est différent de tous les autres : on le dit « cruciforme », « crucifère » ou « radié ». Ainsi, dans une foule comportant plusieurs personnages, on est certain de reconnaître le Christ entre tous. Une croix tout à fait symétrique traverse l’auréole et on en voit généralement trois branches, la quatrième étant dissimulée par le cou. Les branches sont droites, s’élargissant le plus souvent aux extrémités ou formant de légères courbes.

Dans son introduction du Guide de la Peinture, au paragraphe XLI, Denys de Fourna note : « Les Grecs, comme les Latins, entourent d’un nimbe et d’un nimbe crucifère la tête des personnes divines. Mais, chez nous, les trois branches visibles de la croix du nimbe, quoique plus ou moins ornées, ne portent aucun signe emblématique. Chez les Grecs, au contraire, trois lettres sont peintes sur ces trois branches et forment les deux mots οων qui signifient l’être ; car Dieu est CELUI QUI EST, comme il le déclare à diverses reprises dans l’Ancien Testament. »

En effet, l’habitude (qui comporte de nombreuses exceptions), dans la tradition orientale de l’icône, est d’inscrire ces trois lettres grecques, de façon plus ou moins décorative, dans chacune des branches de la croix. Elle sont le participe présent du verbe être, un mot assez intraduisible en français : il s’agit au sens strict de l’ « étant » ou plus élégamment « Celui qui est de toute éternité ». En Occident, les artistes ont souvent préféré décorer ce nimbe de pierreries ou de motifs floraux et décoratifs.

Le plus souvent, le fond du nimbe et de la croix sont couverts d’une feuille d’or rehaussée de rouge, évoquant ainsi la gloire et le martyr, la lumière et le sang versé. Là encore, les nuances sont infinies et l’on trouve à peu près toutes les couleurs possibles, à l’exception de la présence de noir.

Terminons à propos du nimbe du Christ, en rappelant que son corps tout entier est parfois enveloppé par une forme ovale ou en amande traitée habituellement dans des dégradés de tonalités bleues : on parle alors de « mandorle » et nous reviendrons sur ce sujet (1).

Il est temps maintenant, puisque nous l’avons si souvent évoqué à propos du nimbe, d’approfondir tout ce qui concerne les diverses techniques de pose de l’or : ce sera l’occasion d’une série d’émissions à partir de la semaine prochaine.

(1) On peut relire les articles sur la mandorle à partir d’ici

Article du 1er octobre 2018


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Carnets de peinture et carnets de voyage

Et voilà, l’année se termine. Nous l’avons passée à découvrir ces carnets de peinture des peintres du Moyen Âge, depuis celui du moine Théophile aux notes détaillées de Cennino Cennini en passant par Le Guide de la peinture de Denys de Fourna.

Les recettes sont parfois difficiles à comprendre dans le détail, mais l’esprit des directives demeure et accompagne le travail de mes amis artisans d’art tout comme celui de mes collègues et élèves iconographes : prendre beaucoup de temps, observer son travail, la nature, les œuvres et les gestes des maîtres, cultiver et honorer la beauté du monde, et beaucoup travailler…

Terminons avec les mots de Cennino Cennini : « Mais il faut pour toi que l’on aille de l’avant, afin que tu puisses poursuivre ton voyage, à travers cette science (…) Prends la peine et le plaisir de reproduire toujours les meilleures choses que tu puisses trouver, sorties de la main des grands maîtres (…) Je te donne ce conseil (…) si tu entreprends de copier aujourd’hui ce maître, demain celui-là, tu n’auras la manière ni de l’un ni de l’autre et tu deviendras forcément capricieux, du fait que ton esprit sera ébranlé par toutes ces façons (…) Si tu suis les pas d’un seul, en le pratiquant continuellement, ton intelligence sera bien grossière si tu n’en retires quelque nourriture. Il t’arrivera ceci : si la nature t’a accordé un tant soit peu d’imagination, tu en viendras à acquérir une manière qui te sera propre et qui ne pourra qu’être bonne ; car ta main ne saurait récolter des épines, quand ton esprit a été habitué à cueillir des fleurs (…). 

Tiens compte que le guide parfait que tu puisses avoir, le meilleur gouvernail, c’est la porte triomphale du dessin d’après nature. Ceci dépasse tous les autres modèles. Suis-le avec hardiesse et confiance (…) Continue et ne manque pas de dessiner quelque chose chaque jour ; si peu que ce soit, ce sera beaucoup, et cela te fera du bien. »

Terminons l’année avec ces mots, passons l’été à admirer, à dessiner, à observer la nature ou les œuvres des artistes, et engrangeons dans nos souvenirs et notre sensibilité la nourriture pour demain… Peut-être pourrons nous même honorer notre été d’un carnet de voyage, en nous inspirant du peintre Radu : mélanger nos esquisses, nos états d’âmes, nos impressions et toutes les belles choses que nous croiserons en chemin… 

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Un grand au revoir à tous (en attendant septembre), depuis Skagen, tout au nord du Danemark, ville de lumière et de peinture…

Cet article a été le support d’une émission hebdomadaire intitulée Carnets de peinture et diffusée de septembre 2017 à juin 2019 sur RCF Isère. Dans l’esprit du carnet de voyage, l’émission nous faisait entrer dans les coulisses d’un art aujourd’hui bien vivant, qu’on peut appeler l’« art sacré traditionnel » (peinture de l’icône, fresque, enluminure, calligraphie, mosaïque, taille de pierre, orfèvrerie, vitrail…).  On peut retrouver certains podcasts  ici

Article du 2 juillet 2018